Numele stilului op art reprezintă. Stilul op art în haine

23.12.2021

Ce este stilul op art în îmbrăcăminte?

E ca și cum s-ar juca cu tine, provoacă, distrează, induce în eroare. Aceste imagini creează o iluzie, vezi ceva care nu este cu adevărat acolo.

În anii 1960, odată cu apariția așa-numitelor mods, tipi și huligani cu fracțiune de normă care au imitat stilul tinereții de aur a anilor 1920, subculturile tineretului au început pentru prima dată să influențeze curentul cultural și tendințele modei, Tinerii au vrut să arate strălucitori și extravaganți, s-au străduit pentru libertate și emancipare. Tinerii au fost primii care au aflat despre noi produse în domeniul designului, muzicii și artei și au considerat că este de datoria lor să se înconjoare cu lucruri stilate.

Stilul op art - istoria formării

Tema preferată a băieților englezi a fost arta optică a artei operaționale. Acest tip de artă a fost generat de pasiunea pentru științele exacte, cibernetică, noile tehnologii și descoperirile în domeniul percepției umane. Lucrările de artă op s-au bazat pe efecte de lumină și contrast de culoare. Combinații de simple forme geometriceși culorile cromatice, artiștii au realizat efectul de spațiu animat.

În ciuda faptului că iluzia grafică a provocat ceva de genul amețelii privitorilor, lumea modei a devenit interesată de acest tip de artă. Creatorii de modă au început să împrumute în mod activ ideile de op art, transferând dungi, pătrate, spirale, cercuri și alte forme geometrice pe haine și accesorii. Simplitatea croiului rochiilor drepte dintr-o singură piesă, cu o siluetă în formă sau strânsă, a fost compensată de o grafică complexă alb-negru. Companiile de țesături au angajat tineri artiști pentru a crea modele la modă op-art pentru îmbrăcăminte. Contrastul puternic al petelor alb-negru, modelul atrăgător - toate acestea au lăsat o impresie de neuitat, făcându-l să iasă în evidență din mulțime în cel mai bun mod posibil. Și noile proprietăți ale materialelor sintetice - transparența, strălucirea, plasticitatea - au făcut-o posibilă în cel mai bun mod posibil exprima tendințele modei.

Anii 1960 sunt asociați cu numele designerului de modă op-art Mary Quant. Tânăra englezoaică, mișcându-se printre tinerii stilați din Londra, era foarte conștientă de spiritul vremurilor. Ea a întruchipat toate cele mai bune tendințe în îmbrăcămintea fashionistelor în modelele ei. Deși în esență noua moda- rochii și paltoane foarte scurte, modele geometrice și pantofi plat - a fost concepută doar pentru cei tineri și zvelți, până la sfârșitul anilor 1960 toate femeile se îmbrăcau astfel. Tinerețea a devenit un cult.

Stil op art în îmbrăcăminte modernă

Un desen în stilul op art încă atrage privirea, aduce puls și dinamică imaginii întregului costum și evocă emoții vii. A depășit toate granițele sociale, devenind un mijloc de auto-exprimare.

Astăzi, grafica alb-negru se distinge prin modele mai sofisticate, uneori foarte complexe. Cel mai simplu lucru în stilul op art în haine este mazărea dimensiuni diferiteși opțiuni, fie negru pe alb, fie alb pe negru. Sunt acceptate altele mai complexe - diverse valuri, pete, stele, pete, inele.

Celebrul model alb-negru „picior de pui” sau „dinte de câine”, care a apărut în anii 1960, este și astăzi relevant. Este adesea folosit în îmbrăcăminte clasică de înaltă calitate. Ornamentul este format din elemente modulare a căror formă seamănă cu urmele unei păsări sau colțul unui câine. Acest design împodobește ambalajul. apa de toaleta domnisoara Dior.

O temă separată în stilul op art este un imprimeu floral în alb-negru. Formele complexe, mugurii și florile negre desenate cu atenție arată rafinat pe o pânză albă (mai rar, flori albe pe o pânză neagră). Acesta are decadență, o notă modernă de înaltă tehnologie și o referire la romantica Franța napoleonică. În același timp, întregul spațiu al țesăturii în stilul op art poate fi acoperit cu modele mici detaliate sau poate exista doar unul mare - o floare uriașă de natură necunoscută, dar cu un model surprinzător de complex de petale și stamine. Combinația de dungi, buline, pătrate și modele florale complexe într-un singur model poate fi, de asemenea, considerată avangardă. Uneori, acest lucru pare puțin exagerat, dar pentru scopuri șocante astfel de combinații sunt perfecte.

Stilul op art în îmbrăcăminte a supraviețuit timpului fanilor - arta și moda anilor 1960 cumpără articole originale în magazine second-hand, stocuri, magazine de îmbrăcăminte vintage și piețe de vechituri.

Stilul op art - imagini

Misterios

Imaginea acestei femei misterioase trezește interes printre alții, indiferent de vârstă, sex și poziție. Bărbații și femeile privesc cu interes la cel care personifică misterul. Ea este un mister imposibil de rezolvat în principiu, dar toată lumea își dorește foarte mult să o facă. Ea vrăjește cu frumusețea și inaccesibilitatea ei, de parcă îi învăluie pe cei din apropiere într-o pânză invizibilă, din care puțini sunt capabili să scape.

Culori în ansamblul costumelor: negru, alb, gri închis misterios de insidios din punct de vedere magic

Romantic

O imagine evazivă și visătoare în stilul op art. Rareori se deschide față de o altă persoană, preferând să rămână un străin fermecător. Naturalitatea și ușurința nu o împiedică să stabilească odată pentru totdeauna dacă ar trebui să continue să comunice cu o anumită persoană sau nu. Viața este interesantă pentru ea, dar nu o tratează ca pe un joc captivant, ci, parcă, o observă și pe ea însăși din exterior. Pur și simplu trăiește și compară albul cu negru, alegând cel mai bun pentru ea însăși. Și nu are nevoie de sfatul și ajutorul altora.

Culori într-un ansamblu de costum: alb, negru, gri deschis romantic, subtil misterios

Gratuit

Imaginea în stilul op art este caracterizată de sentimente rebele. Ea se străduiește să vorbească împotriva acelor norme care par incorecte și depășite. Ea este cu cei care sunt în minoritate, dar nu se simte ca o proscrisă. Mai degrabă, ea este aleasă. Ea nu va atrage niciodată atenția asupra ei de dragul atenției. Ea încearcă să iasă în evidență nu pentru a atrage atenția asupra ei, ci pentru a sublinia ideea a cărui susținătoare este. Culori într-un ansamblu de costum: alb, negru, gri închis informal avangardist independent

Elegant

O imagine neașteptată, plină de spirit, tentant de jucăuș și incredibil de estetică. Cu aspectul ei, aduce ușurință și zâmbet, păstrând în același timp o oarecare independență și detașare. Ea are încredere în forțele, capacitățile și convingerile ei. Hainele ei o fac să iasă în evidență din mulțime și să-i atragă privirea. Demonstrând diferite fațete ale naturii ei complexe, de fiecare dată când apare ca o persoană complet diferită în stilul op art.

Culori într-un ansamblu de costum: negru, alb, gri deschis casual elegant impresionant

Anii șaizeci au devenit deceniul subculturii tineretului, al modei și minimalismului excentric „hârtiei” și „plasticului”. Adolescenții europeni și americani au protestat împotriva politicilor țărilor lor, demonstrând o atitudine negativă față de societatea de consum cu ajutorul hainelor second-hand. Ignorarea modelelor de designer de către tineri nu a împiedicat debutul de mare profil al lui Yves Saint Laurent și Valentino Garavani, care a avut loc și în „nebunii ani șaizeci”. „Dacă îți amintești de anii ’60, atunci nu erai în viață”, a spus producătorul The Doors, Dick Wolf.

„Cu cât mai nebun, cu atât mai bine!”

Poate cea mai extravagantă tendință de modă a anilor 1960 a fost stilul spațial. În 1961, iar acest lucru a influențat nu numai dezvoltarea științei, ci și a modei. Designerii s-au inspirat din noi perspective și au început să creeze modele bizare, „străine”. Pionierul „modei spațiale” a fost designerul Andre Courrèges, ai cărui fani purtau moon boots și ochelari de soareîn formă de mingi de tenis. Courrèges a creat rochii scurte, asemănătoare copiilor, decorându-le cu paiete strălucitoare și accesorii neobișnuite.

Pentru astfel de modele, cele artificiale, mai degrabă decât cele artificiale, s-au dovedit a fi mai potrivite. materiale naturale- sintetice, plastic, vinil. Creatorii de modă au decorat rochii cu discuri de vinil și le-au folosit pentru a fixa elementele unui costum de baie. Metalul a fost folosit și ca material. Desigur, salopetele strălucitoare, căștile cu forme bizare și scuturile pentru ochi nu au prins rădăcini pe străzi, dar podiumurile de la acea vreme erau pline de modele „spațiale” neobișnuite, create de designeri de modă celebri și.

Moda fibrelor sintetice a crescut treptat într-o tendință de a crea haine din materiale care au fost folosite anterior în scopuri complet diferite. Designerii au experimentat cu materiale realizate pentru costume spațiale, îmbrăcăminte sportŞi uniformă militară. Modelele au pășit pe podium în haine din vinil și dacron, care, în comparație cu moda conservatoare pariziană din deceniile precedente, arăta super original și chiar revoluționar. Excentricitatea ținutelor propuse de designeri a fost considerată un plus - pentru mulți, anii 1960 au trecut sub motto-ul: „Cu cât mai nebun, cu atât mai bine!” Odată cu tendințele „plastic” și „vinil”, a avut loc și un „boom hârtie” în lumea modei în această perioadă.

În 1966, în SUA, fabrica lui Scott a început să producă îmbrăcăminte pe lângă articolele de uz casnic din hârtie. Modelele de hârtie au venit în două culori - alb-negru și galben-negru-roșu. Colecția s-a numit „Explosion of Color” și s-a recomandat să o schimbi cu foarfecele și să o reparăm folosind o coală de hârtie. O rochie similară putea fi purtată de până la cinci ori, iar modelele de modă „de hârtie” erau vândute magazine speciale. Producătorii au prezentat noile costume ca întruchiparea unei idei inovatoare strălucitoare și a unei opere de artă modernă.

După ce au prins noua tendință în producția de masă, designerii au început să creeze modele de hârtie. Jurnaliştii şi publicul i-au numit pe Eliza Dabbs şi Harry Gordon, care produceau rochii pentru trei dolari bucata, „couturieri de hârtie”. Cu toate acestea, nu toți designerii au fost atât de democratici - adesea prețurile pentru modelele din hârtie puteau fi comparate cu ținutele couture. În New York, pe Madison Avenue, s-a deschis boutique-ul Paraphenalia, care vinde îmbrăcăminte super-modă din plastic și hârtie. „Oricine tratează hainele cu patos este dezgustător, la urma urmei, acestea sunt doar haine. Ar trebui să fie amuzante, nu pot fi luate în serios”, unul dintre fondatorii Paraphenalia, Paul Young, care a fost co-fondator al magazinului de cult. , a exprimat sentimentele în rândul tinerilor.

Artă în modă

Pe fundalul popularității picturilor „Green Coca-Cola Bottles” și „Campbell Soup Cans”, Warhol a început să-și transfere celebrele desene pe țesătură, creând haine din propriile sale schițe, a lansat „Sticlă”, „Fragilitate”. rochii și cămașa „Soup”, care a devenit populară „Campbell”. Desenele în stilul pop art au fost, de asemenea, folosite de alți designeri în modelele lor, făcând transferul repetat al obiectelor familiare pe țesătură una dintre cele mai izbitoare tendințe de modă ale anilor 1960.

Dacă influența cinematografiei asupra modei s-a simțit în deceniile precedente, atunci pictura a pătruns în industria modei tocmai în anii șaizeci. O altă tendință care s-a reflectat pe scară largă în îmbrăcămintea de masă a fost stilul op art. Picturile realizate în acest stil s-au bazat pe efecte de lumină și contrastul de negru și flori albe. Tendința de a exprima sentimentele umane folosind efecte optice a început în anii 1950 și s-a răspândit la mijlocul anilor 1960. Pânzele contrastante alb-negru i-au făcut adesea amețiți pe spectatori, iar designerii de modă au fost atrași de stilul op art prin simplitatea și noutatea sa grafică. De obicei, astfel de modele de îmbrăcăminte erau de croială simplă, care, totuși, a fost mai mult decât compensată de formele geometrice distorsionate, cercuri stilizate și spirale și dungi monocrome descrise pe țesătură. „Noul val de design pe țesătură a fost numit op art. Arhitectura modernă și pictura au devenit baza designului”, a scris revista Neue Mode în 1966.

Moda nouă, oarecum excentrică, a fost extrem de populară în rândul adolescenților. Printre creatorii de modă care s-au inspirat de noile tendințe în pictură s-au numărat Larry Aldrich, Andre Courrèges,. Acesta din urmă, în 1965, a prezentat publicului o colecție bazată pe opera unuia dintre fondatorii picturii abstracte, Piet Mondrian. Creatorii de modă au oferit o mare varietate de accesorii nebunești și contraste de culoare, dar juxtapunerea alb-negru a devenit adevăratul hit al deceniului. Începând cu anii 1960, designerii s-au inspirat constant din alte forme de artă, confirmând astfel că frumusețea nu este o categorie constantă, ci una variabilă.

„Radical chic” și stilul subculturilor

Alături de capitalele mondiale ale modei Paris și Milano, Londra a început să-și dicteze stilul în anii 1960. Publicațiile de vârf au numit capitala Angliei un nou centru de stil și modă, iar designerii britanici, sfidând Parisul conservator, au oferit modele extravagante care au devenit un adevărat simbol al deceniului.

După încheierea celui de-al Doilea Război Mondial și depășirea crizei, situația financiară din țările europene a început să se îmbunătățească. Tinerii au dedicat mai mult timp muzicii, cinematografiei și altor divertisment. Așa a pătruns moda americană pentru blugi și jachete de piele în stilul londonez, iar emigranții din fostele colonii britanice au adus stilul Indiei de Vest în capitala Angliei. Noua direcție, formată sub influența unei varietăți de tendințe și culturi, a vizat în primul rând adolescenții. Pe străzile Londrei la acea vreme se puteau întâlni atât tineri în ținute etnice, cât și „rebeli” în tricouri și blugi decolorați. În 1966, Time Magazine a publicat un articol intitulat „Londra – Swing City”. La sfârșitul deceniului au fost lansate filme care reflectau spiritul revoluționar al acelei perioade: Blow-Up de Michelangelo Antonioni și The Spectacle de Nicolas Roeg. În același timp, magazinele de vânzare cu amănuntul au apărut pe strada Carnaby, care devenise un loc emblematic în „Londra swinging”. În anii 1960, buticuri ofereau tinerilor modele revoluționare, iar strada a devenit faimoasă în întreaga lume ca centru al modei independente.

Sentimentele rebele din anii '50 au trecut în anii '60. În această perioadă, chiar și adolescenții din familii înstărite s-au îmbrăcat în magazine second-hand, subliniind exclusivitatea lor și protestează împotriva societății de consum. În orașele mari, piețele cu îmbrăcăminte retro au devenit populare adolescenților nu le era frică să combine articole de modă veche din diferite epoci, fără să se îngrijoreze de modă; În timp ce tinerii înstăriți și-au demonstrat subcultura purtând în mod deliberat haine vechi, pentru adolescenții din familii sărace această tendință a devenit o oportunitate de a se conforma tendințelor și de a nu cheltui bani. Spiritul rebel, însă, a fost ridiculizat de mulți jurnaliști, care au numit sărăcia stilizată o batjocură a sărăciei reale. Scriitorul american Tom Wolfe a vorbit despre tineri ca fiind copii capricioși care se joacă la revoluție și a numit stilul vestimentar în sine „radical șic”. Creatorii de modă, încercând să mulțumească gusturile în schimbare, au început să creeze modele în stilul anilor 30 și 40, dar hainele de designer „retro” nu erau foarte populare - contracultura ignora moda.

Respingerea stilului de doamnă și toate tendințele populare în deceniile anterioare au dus la cea mai vibrantă și masivă mișcare din a doua jumătate a anilor șaizeci - hipioții. „Copii de flori” care promovau dragostea și pacea și care nu erau de acord cu politicile statelor lor îmbrăcați în haine exotice aduse din alte țări: poncho sud-americane, tunici indiene și coifuri eschimoși. Ținutele luminoase și bogat brodate ale hipioților au fost completate cu bijuterii masive - în principal brățări și curele indiene. Filosofia hippie a devenit atât de populară încât mulți designeri de modă au remarcat declinul funcționalismului. "Spre deosebire de stil romanticși art nouveau, folclor și stiluri sportiveîmpreună cu hainele colorate mexicane se bucură astăzi de un succes extraordinar”, a scris revista Neue Mode Motive indiene neobișnuite, strălucitoare și atractive au capturat toată Europa și America în anii 1960, iar tinerii purtau acum jachete „Yeti”, fuste colorate, pantaloni evazați. Pantaloni turcești, cămăși brodate și paltoane lungi de blană În ciuda faptului că reprezentanții subculturilor înșiși erau sceptici cu privire la modă, publicațiile lucioase au scris asta stil nou merită o atenție deosebită și este capabilă să aibă un impact serios asupra industriei modei.

La sfârșitul deceniului, îmbrăcămintea psihedelice strălucitoare din materiale artificiale a dispărut în fundal, iar stilul militar a devenit un adevărat succes. Utilizarea obiectelor militare în viata de zi cu zi a fost și un fel de protest care a urmat protestelor care au măturat Europa în 1968: așa au încercat tinerii să dea hainelor destinate bătăliilor un caracter pașnic. Camuflajul cu pete aspre a fost decorat cu simboluri ale păcii, fustele și pantofii în stil militar erau vopsite în roșu și culori roz. Reprezentanții diferitelor subculturi purtau astfel de haine, iar jachetele mari cu simboluri ale forțelor aeriene americane au fost deosebit de populare. În același timp, designerii de modă au început să experimenteze cu verdele măsliniu, numit kaki.

Tendința către minimalism și principalul simbol al deceniului

În anii 1960, îmbrăcămintea confecționată din țesături elastice s-a răspândit. Ideea că a avea multe haine în garderoba era incomod și că femeile se puteau descurca cu ușurință doar cu câteva modele de bază a fost vizitată de designeri de modă încă din anii 1930 și 1940. Claire McCardell în 1934 a propus înlocuirea întregii varietăți de stiluri și modele cu câteva elemente de bază, iar la începutul următorului deceniu a fost prima care a creat tricou - colanți cu mâneci lungi— și a făcut din ea baza imaginii. Lucruri de bază Garderoba creatorului de modă includea un gât negru și colanți. Ideea de a combina mai multe articole simple a devenit cu adevărat populară în anii șaizeci, când femeile erau încurajate să aibă în garderobă doar un top, jachetă, fustă și pantaloni.

Reducerea cantității de îmbrăcăminte la minim în această perioadă a devenit posibilă datorită apariției țesăturilor elastice. În anii 1960, designerul de modă Giorgio di Sant'Angelo a început să caute noi modalități de a crea țesături. A lucrat cu lână și fir acrilic și a inventat și mătasea elastică care se putea întinde în orice direcție. Atât costumele de baie, cât și topurile de seară au fost confecționate din mătase elastică și lycra. Designerul de costume Jacques Fonterey scria în 1968: „Sunt încrezător că tricoutul, sau una dintre soiurile sale, va deveni elementul vestimentar de bază al viitorului”. Fonteray avea dreptate: modelele elastice din anii 1960 au servit drept bază pentru creație. haine moderne- de la treninguri la rochii de seara.

Anii 1960 au devenit un alt deceniu care a schimbat complet ideile despre standarde frumusețe feminină. Dacă după război designerii de modă s-au concentrat pe mamele de familie și pe femeile cu curbe, atunci în anii șaizeci androginia a revenit la modă, iar celebra a devenit un simbol al noilor standarde de atractivitate. O adolescentă slabă, cu ochii deschiși naiv, a apărut pe coperțile publicațiilor de top, iar fetele din întreaga lume au început să urmeze diete stricte, dorind să fie ca idolul lor. Twiggy a devenit primul model a cărui imagine a întruchipat idealurile deceniului, creatorii de modă au creat haine pentru fete foarte slabe, cu siluete băiețești. Ea a apărut în reviste de modă și pe afișe purtând fuste mini și rochii Mary Quant și a întruchipat stilul „păpușă” care era extrem de popular în anii ’60. Împreună cu fanii ei, Twiggy a avut și răi - mulți jurnaliști au numit-o o fată dureros de slabă și „foame”, dar acest lucru nu a împiedicat răspândirea modei pentru androginie - în anii șaizeci, bărbații mergeau adesea cu par lung, iar femeile tinere au preferat tunsori scurteși rochii mini, exprimând astfel reticența de a crește.

Debuturi de mare profil din anii 1960

Anii şaizeci au marcat începutul unei cariere strălucite, care s-a declarat cu voce tare la începutul deceniului. În 1957, după moartea lui Christian Dior, Saint Laurent, în vârstă de 21 de ani, a preluat funcția de director de creație al Casei Dior. Cu toate acestea, deja în 1960, tânărul designer de modă și-a creat ultima colecție pentru brand: directorii Dior au decis că tânărul designer nu are dreptul să impună fanilor înaltă modă street style și și-a luat rămas bun de la Saint Laurent. Doi ani mai târziu, couturierul și-a lansat prima colecție sub nume propriu, pentru care a creat un blazer la dublu, cu nasturi aurii și pantaloni de mătase. Mai târziu, designerul de modă însuși și mulți alți designeri au folosit acest model.

Yves Saint Laurent a fost unul dintre primii designeri de modă care nu s-a temut să creeze haine revoluționare în stilul op art și pop art și, de asemenea, a oferit un smoking pentru femei și ținute în stilul „Africa” și „Safari”. El a combinat cel mai mult cu îndrăzneală culori strălucitoare, o rochie roz aprins completată de o jachetă canar, combinând negru cu maro, portocaliu cu roșu și violet cu albastru.

Un alt debut de mare profil al deceniului a fost apariția în lumea modei a „șeicul șicului” italian Valentino Garavani. Educat la Paris, s-a întors în Italia natală la sfârșitul anilor 1950, unde a deschis o casă de modă care a prezentat lumii legendarele sale rochii roșii. Rochiile strălucitoare au devenit „ carte de vizită„Garavani și designerul au distins treizeci de nuanțe de roșu. Debutul internațional de mare profil al lui Valentino a avut loc în 1962, iar în 1968 a fost lansată celebra sa „colecție albă”, constând în întregime din lucruri. alb. În același timp, designerul de modă a folosit pentru prima dată sigla „V”. Rochii feminine de la Valentino au devenit simboluri ale vieții de lux, iar vedetele de la Hollywood l-au inundat pe couturier cu comenzi. În 1968, rochia din dantelă de la Garavani, în care s-a căsătorit cu Aristotel Onassis, a apărut pe paginile aproape tuturor publicațiilor de top.

„Cu cât mai nebun, cu atât mai bine!”

Poate cea mai extravagantă tendință de modă a anilor 1960 a fost stilul spațial. În 1961, iar acest lucru a influențat nu numai dezvoltarea științei, ci și a modei. Designerii s-au inspirat din noi perspective și au început să creeze modele bizare, „străine”. Pionierul „modei spațiale” a fost designerul Andre Courrèges, ai cărui fani purtau cizme de lună și ochelari de soare în formă de mingi de tenis. Courrèges a creat rochii scurte, asemănătoare copiilor, decorându-le cu paiete strălucitoare și accesorii neobișnuite.

Pentru astfel de modele, materialele artificiale, mai degrabă decât cele naturale, s-au dovedit a fi mai potrivite - sintetice, plastic, vinil. Creatorii de modă au decorat rochii cu discuri de vinil și le-au folosit pentru a fixa elementele unui costum de baie. Metalul a fost folosit și ca material. Desigur, salopetele strălucitoare, căștile cu forme bizare și scuturile pentru ochi nu au prins rădăcini pe străzi, dar podiumurile de la acea vreme erau pline de modele „spațiale” neobișnuite, create de designeri de modă celebri și.

Moda fibrelor sintetice a crescut treptat într-o tendință de a crea haine din materiale care au fost folosite anterior în scopuri complet diferite. Designerii au experimentat cu materiale realizate pentru costume spațiale, îmbrăcăminte sport și uniforme militare. Modelele au pășit pe podium în haine din vinil și dacron, care, în comparație cu moda conservatoare pariziană din deceniile precedente, arăta super original și chiar revoluționar. Excentricitatea ținutelor propuse de designeri a fost considerată un plus - pentru mulți, anii 1960 au trecut sub motto-ul: „Cu cât mai nebun, cu atât mai bine!” Odată cu tendințele „plastic” și „vinil”, a avut loc și un „boom hârtie” în lumea modei în această perioadă.

În 1966, în SUA, fabrica lui Scott a început să producă îmbrăcăminte pe lângă articolele de uz casnic din hârtie. Modelele de hârtie au venit în două culori - alb-negru și galben-negru-roșu. Colecția s-a numit „Explosion of Color” și s-a recomandat să o schimbi cu foarfecele și să o reparăm folosind o coală de hârtie. O rochie similară putea fi purtată de până la cinci ori, iar modelele de modă „de hârtie” erau vândute în magazine speciale. Producătorii au prezentat noile costume ca întruchiparea unei idei inovatoare strălucitoare și a unei opere de artă modernă.

Artă în modă

Dacă influența cinematografiei asupra modei s-a simțit în deceniile precedente, atunci pictura a pătruns în industria modei tocmai în anii șaizeci. O altă tendință care s-a reflectat pe scară largă în îmbrăcămintea de masă a fost stilul op art. Picturile realizate în acest stil s-au bazat pe efecte de lumină și pe contrastul culorilor alb-negru. Tendința de a exprima sentimentele umane folosind efecte optice a început în anii 1950 și s-a răspândit la mijlocul anilor 1960. Pânzele contrastante alb-negru i-au făcut adesea amețiți pe spectatori, iar designerii de modă au fost atrași de stilul op art prin simplitatea și noutatea sa grafică. De obicei, astfel de modele de îmbrăcăminte erau de croială simplă, care, totuși, a fost mai mult decât compensată de formele geometrice distorsionate, cercuri stilizate și spirale și dungi monocrome descrise pe țesătură. „Noul val de design pe țesătură a fost numit op art. Arhitectura modernă și pictura au devenit baza designului”, a scris revista Neue Mode în 1966.

„Radical chic” și stilul subculturilor

Respingerea stilului de doamnă și toate tendințele populare în deceniile anterioare au dus la cea mai vibrantă și masivă mișcare din a doua jumătate a anilor șaizeci - hipioții. „Copii de flori” care promovau dragostea și pacea și care nu erau de acord cu politicile statelor lor îmbrăcați în haine exotice aduse din alte țări: poncho sud-americane, tunici indiene și coifuri eschimoși. Ținutele luminoase și bogat brodate ale hipioților au fost completate cu bijuterii masive - în principal brățări și curele indiene. Filosofia hippie a devenit atât de populară încât mulți designeri de modă au remarcat declinul funcționalismului. „În contrast cu stilurile romantice și art nouveau, stilurile populare și sportive, împreună cu îmbrăcămintea mexicană colorată, se bucură astăzi de un succes extraordinar”, a scris revista Neue Mode. Motive indiene neobișnuite, strălucitoare și atractive au capturat întreaga Europă și America în anii 1960, iar tinerii purtau acum jachete „Yeti”, fuste colorate, pantaloni evazați, bluze turcești, cămăși brodate și paltoane lungi de blană. În ciuda faptului că reprezentanții subculturilor înșiși erau sceptici cu privire la modă, publicațiile lucioase au scris că noul stil merită o atenție deosebită și ar putea avea un impact serios asupra industriei modei.

La sfârșitul deceniului, îmbrăcămintea psihedelice strălucitoare din materiale artificiale a dispărut în fundal, iar stilul militar a devenit un adevărat succes. Folosirea obiectelor militare în viața de zi cu zi a fost și un fel de protest care a urmat protestelor care au măturat Europa în 1968: așa au încercat tinerii să dea hainelor destinate bătăliilor un caracter pașnic. Camuflajul cu pete aspre a fost decorat cu simboluri ale păcii, iar fustele și pantofii în stil militar au fost vopsite în roșu și roz. Reprezentanții diferitelor subculturi purtau astfel de haine, iar jachetele mari cu simboluri ale forțelor aeriene americane au fost deosebit de populare. În același timp, designerii de modă au început să experimenteze cu verdele măsliniu, numit kaki.

Tendința către minimalism și principalul simbol al deceniului

În anii 1960, îmbrăcămintea confecționată din țesături elastice s-a răspândit. Ideea că a avea multe haine în garderoba era incomod și că femeile se puteau descurca cu ușurință doar cu câteva modele de bază a fost vizitată de designeri de modă încă din anii 1930 și 1940. Claire McCardell a propus in 1934 inlocuirea varietatii de stiluri si modele cu cateva elemente de baza, iar la inceputul deceniului urmator a fost prima care a creat tricou – un tricou cu maneci lungi – si a facut din el baza imaginii. Designerul de modă a considerat că piesele de bază ale garderobei sunt un turtleneck negru și colanții. Ideea de a combina mai multe articole simple a devenit cu adevărat populară în anii șaizeci, când femeile erau încurajate să aibă în garderobă doar un top, jachetă, fustă și pantaloni.

Reducerea cantității de îmbrăcăminte la minim în această perioadă a devenit posibilă datorită apariției țesăturilor elastice. În anii 1960, designerul de modă Giorgio di Sant'Angelo a început să caute noi modalități de a crea țesături. A lucrat cu lână și fir acrilic și a inventat și mătasea elastică care se putea întinde în orice direcție. Atât costumele de baie, cât și topurile de seară au fost confecționate din mătase elastică și lycra. Designerul de costume Jacques Fonterey scria în 1968: „Sunt încrezător că tricoutul, sau una dintre soiurile sale, va deveni elementul vestimentar de bază al viitorului”. Fonterey avea dreptate: modelele elastice din anii 1960 au servit drept bază pentru crearea de îmbrăcăminte modernă, de la treninguri până la haine de seară.

Anii 1960 au devenit un alt deceniu care a schimbat complet ideile despre standardele frumuseții feminine. Dacă după război designerii de modă s-au concentrat pe mamele de familie și pe femeile cu curbe, atunci în anii șaizeci androginia a revenit la modă, iar celebra a devenit un simbol al noilor standarde de atractivitate. O adolescentă slabă, cu ochii deschiși naiv, a apărut pe coperțile publicațiilor de top, iar fetele din întreaga lume au început să urmeze diete stricte, dorind să fie ca idolul lor. Twiggy a devenit primul model a cărui imagine a întruchipat idealurile deceniului, creatorii de modă au creat haine pentru fete foarte slabe, cu siluete băiețești. Ea a apărut în reviste de modă și pe afișe purtând fuste mini și rochii Mary Quant și a întruchipat stilul „păpușă” care era extrem de popular în anii ’60. Împreună cu fanii ei, Twiggy a avut și persoane nedoritoare - mulți jurnaliști au numit-o o fată dureros de slabă și „foame”, dar acest lucru nu a oprit răspândirea modei pentru androginie - în anii șaizeci, bărbații purtau adesea părul lung, iar femeile tinere a preferat tunsorile scurte și rochiile mini, exprimând astfel reticența de a crește.

Debuturi de mare profil din anii 1960

Anii şaizeci au marcat începutul unei cariere strălucite, care s-a declarat cu voce tare la începutul deceniului. În 1957, după moartea lui Christian Dior, Saint Laurent, în vârstă de 21 de ani, a preluat funcția de director de creație al Casei Dior. Cu toate acestea, deja în 1960, tânărul creator de modă și-a creat ultima colecție pentru brand: directorii Dior au decis că tânărul designer nu are dreptul să impună street style fanilor modei înalte și și-au luat rămas bun de la Saint Laurent. Doi ani mai târziu, couturierul și-a lansat prima colecție sub nume propriu, pentru care a creat un blazer la dublu, cu nasturi aurii și pantaloni de mătase. Mai târziu, designerul de modă însuși și mulți alți designeri au folosit acest model.

Yves Saint Laurent a fost unul dintre primii designeri de modă care nu s-a temut să creeze haine revoluționare în stilul op art și pop art și, de asemenea, a oferit un smoking pentru femei și ținute în stilul „Africa” și „Safari”. A combinat cu îndrăzneală cele mai strălucitoare culori, completând o rochie roz aprins cu o jachetă canar, combinând negru cu maro, portocaliu cu roșu și violet cu albastru.

Un alt debut de mare profil al deceniului a fost apariția în lumea modei a „șeicul șicului” italian Valentino Garavani. Educat la Paris, s-a întors în Italia natală la sfârșitul anilor 1950, unde a deschis o casă de modă care a prezentat lumii legendarele sale rochii roșii. Rochiile strălucitoare au devenit cartea de vizită a lui Garavani, iar designerul a distins treizeci de nuanțe de roșu. Debutul internațional de mare profil al lui Valentino a avut loc în 1962, iar în 1968 a fost lansată celebra sa „colecție albă”, constând în întregime din articole albe. În același timp, designerul de modă a folosit pentru prima dată sigla „V”. Rochiile feminine de la Valentino au devenit simboluri ale vieții de lux, iar vedetele de la Hollywood l-au inundat pe couturier cu comenzi. În 1968, rochia din dantelă de la Garavani, în care s-a căsătorit cu Aristotel Onassis, a apărut pe paginile aproape tuturor publicațiilor de top.

Stilul original op-art (op-art este prescurtarea pentru arta optică) a explodat literalmente în modă, născut din mișcarea de pictură cu același nume.

Stilul vine din anii 60

Care sunt caracteristicile anilor 60 ai secolului trecut? Poate că principalul lucru este triumful spiritului de libertate și, ca urmare, fuste mini, țesături sinteticeși prima reclamă de avangardă. Prin urmare, atunci s-au născut mai multe stiluri non-triviale, care au fost destinate să revoluționeze ideile despre modă. Op art a apărut și în acel moment. Tatăl său a fost artistul parizian Vasarely, care a folosit o tehnică specială de imprimare de aplicare a mai multor straturi de vopsea, creând spațiu tridimensional folosind iluzie optică. Op art se bazează pe linii, triunghiuri, pătrate, cercuri... împletite complicat, dând naștere la noi forme.

Efect de imprimare iluzionar

Unii au negat categoric futurismul artei operaționale, neacceptând „artificialitatea” și natura iluzorie a acestuia, dar unii dintre cei mai îndrăzneți couturieri au devenit serios interesați de un efect atât de neobișnuit și l-au întruchipat în lucrările lor. Andre Courrèges, Mary Quant, Larry Aldrich au folosit de bunăvoie efectul optic al noilor imprimeuri în modelele lor.

Geometrie strălucitoare

Op art se simte grozav astăzi în îmbrăcămintea pentru tineret - aruncați o privire la colaje sau imagini cu legende ale stilului de pe tricouri și genți. Geometria strălucitoare este o temă preferată a unor vedete pop și chiar și maeștri, precum Franco Moschino, sunt pasionați de op art. Dar în viața obișnuită trebuie să fii atent cu el. Unul sau două lucruri sau un accesoriu cu „efect iluzoriu” este suficient un look în full op art este bun doar pentru cei mai tineri, zvelți și îndrăzneți. Principalul lucru este să nu exagerați. Iată câteva modele și look-uri de la Burda în stilul op art care vor adăuga o notă strălucitoare, excentrică, garderobei tale obișnuite și îți vor oferi o stare de spirit grozavă.

Op art(din conceptul englezesc de artă optică) - crearea iluziei de mișcare pe o suprafață plană folosind forme geometrice. Atunci când creați îmbrăcăminte în stil op art, sunt folosite culori contrastante luminoase.

Istoria apariției

În 1938, Victor Vasarely și-a prezentat pictura „Zebre”, care a devenit prima lucrare iconică în stilul op art. În același timp, pentru prima dată, noul geoprint a început să fie folosit pe gențile casei de modă Hermes, dar stilul a câștigat popularitatea finală abia în 1965, când lucrările din acesta au fost prezentate la New York la expoziția „The Responsive”. Ochiul”.

În același timp, Yves Saint Laurent și-a îndreptat atenția către imprimeurile geometrice și a lansat o colecție de rochii de cocktail cu croială dreaptă, cu carouri mari strălucitoare. Aceste rochii au avut cea mai obișnuită și simplă croială fără mâneci și guler. Numele rochiei a fost dat în onoarea inspirației - „Modrian”.

Marele couturier a fost urmat de: creatorul fustelor mini Mary Quant, Larry Aldrich, Andre Courrèges - toți au lansat rochii și accesorii cu imprimeuri geometrice neobișnuite și forme în stilul op art. Concomitent cu lansarea colecțiilor acestor designeri, revistele de modă au început să imprime pe paginile lor fotografii cu oameni care poartă haine cu modele de pătrate, triunghiuri și diamante. Imprimeul geometric în diferite variante a fost recunoscut ca simbol al deceniului.

În 2001, a avut loc o revigorare a acestei imprimări. Op art în îmbrăcăminte a apărut pe paginile Vogue franceză. Zece ani mai târziu, designerii de modă au început să folosească acest stil în îmbrăcăminte în masă. Rochii cu modele geometrice au fost prezentate de toate casele de modă de top, iar designerii de modă care lucrează sub marca Louis Vuitton rochii brodate cu pietre netede multicolore.

Cu ce și cum să porți haine op art?

Cel mai bun mod de a arăta elegant este să combinați îmbrăcămintea op art cu articole de garderobă de culoare uni. În acest fel, cu siguranță nu vă veți supraîncărca aspectul cu imprimeuri și culori active.

Dacă aveți un simț al stilului dezvoltat în mod natural, atunci puteți amesteca cu înțelepciune diferite imprimeuri geometrice într-un singur aspect sau puteți purta haine op art împreună cu motive florale, orientale și animale. Dacă doriți să creați un aspect la modă cu două geoprinturi, atunci rămâneți la regula unei singure culori: ambele articole din garderoba dvs. trebuie să aibă cel puțin o nuanță comună.

Din punct de vedere vizual, o astfel de îmbrăcăminte poate ascunde aproape orice imperfecțiune a figurii, poate alungi silueta și poate elimina excesul de volum. Cu cât articolul este mai simplu pe măsură, cu atât va arăta mai bine. Atunci când alegeți îmbrăcămintea op art, este necesară o potrivire obligatorie. Cu ajutorul acestuia, puteți evalua cât de bine arată imaginea.

Articole înrudite: